Le fotografie di Cohen sono intense e forti, mostrando aspetti della vita di piccole città americane spesso ignorati dai media mainstream. Attraverso i suoi scatti, Cohen ha documentato la quotidianità di persone di diverse età e background, dando voce a una comunità spesso trascurata dai media.

La street photography di Mark Cohen

La fotografie di Mark Cohen sono caratterizzate da una forte componente documentaria e da uno sguardo attento alle piccole storie che si svolgono in mezzo alla folla. Cohen è un osservatore attento e curioso, che sa cogliere con la sua macchina fotografica i momenti di vita quotidiana con una grande sensibilità.

Le fotografie di strada di Cohen sono spesso realizzate in bianco e nero, e ritraggono le persone nei loro ambienti naturali, senza filtri o ritocchi. In questo modo, Cohen ci mostra un mondo autentico e vibrante, dove ogni immagine racconta una storia unica e irripetibile.

I ritratti di Mark Cohen

Oltre alla fotografia di strada, Mark Cohen è anche conosciuto per i suoi ritratti, che spaziano dai ritratti di personaggi famosi a quelli di sconosciuti incontrati per strada. Anche in questo caso, Cohen cerca di cogliere l’essenza della persona ritratta, senza trucchi o finzioni. I suoi ritratti sono spesso realizzati in bianco e nero, e si caratterizzano per una forte intensità espressiva.

Dark Knees

Rappresenta una preziosa testimonianza della vita di una piccola comunità americana durante gli anni ’70, offrendo uno sguardo unico sulla vita quotidiana di Wilkes-Barre e dei suoi abitanti.

La serie “Dark Knees” di Mark Cohen rappresenta un importante contributo alla fotografia contemporanea, Le sue fotografie intense e forti hanno attirato l’attenzione dei critici e del pubblico, diventando una delle sue opere più famose.

Oltre a “Dark Knees“, Cohen ha anche realizzato altre serie di fotografie che hanno riscosso successo, come “Downtown“, che ha documentato la vita quotidiana dei residenti di New York City, e “People Running“, una serie di scatti che ha catturato il movimento delle persone in diverse parti del mondo.

La carriera di Mark Cohen

Mark Cohen ha esposto le sue fotografie in mostre personali e collettive in tutto il mondo, e le sue opere sono state pubblicate in numerose riviste e libri. Nel corso della sua carriera, ha ricevuto numerosi riconoscimenti e premi, tra cui il Guggenheim Fellowship nel 2002 e il Lucie Award per il “Lifetime Achievement” nel 2010. 

“Sono diventato un surrealista perché ho continuato a camminare per gli stessi isolati e ho iniziato a scattare una foto alla scarpa di un ragazzo. Non sapevo cosa stessi facendo esattamente. Ero solo guidato da qualunque cosa avrei visto.” – Mark Cohen

L'articolo Mark Cohen: il maestro della street photography proviene da Giuseppe Bruno Fotografo.

Nato nel 1971, Parke ha iniziato a fotografare a un’età precoce, all’età di 12 anni con la Pentax Spotmatic di sua madre e usa la lavanderia di casa come camera oscura. e, all’età di 21 anni, è diventato il fotografo più giovane ad entrare a far parte della prestigiosa agenzia fotografica Magnum.

Uno dei progetti più famosi di Parke è “The Black Rose“, che esplora il lato oscuro dell’Australia.

The Black Rose

Parke ha trascorso diversi anni fotografando il paesaggio australiano, catturando immagini di desolazione e solitudine che riflettono le sfide affrontate dalla nazione.

Attraverso le sue immagini, Parke ha dato voce ai margini della società, facendo emergere le storie spesso ignorate di coloro che vivono ai confini del paese.

Uno storytelling che raccoglie sia il dolore della sua infanzia, segnata dalla perdita della madre, sia il lavoro fatto come fotografo. Un viaggio di introspezione, che culmina in un universo di intriganti fotografie, light box, video, testi e libri, per un’esplorazione visiva del senso della vita.

Minutes to Midnight

Un altro progetto di Parke che ha attirato l’attenzione è “Minutes to Midnight”, che esplora l’impatto della globalizzazione sulla cultura australiana.

Parke ha trascorso anni fotografando le trasformazioni del paesaggio urbano e i cambiamenti nella cultura popolare, catturando l’essenza di una nazione in rapido movimento.

Per questo progetto ha ricevuto il W. Eugene Smith Grant in Humanistic Photography.

Oltre ai suoi progetti di lunga durata, Parke ha anche realizzato numerosi reportage per importanti riviste come “National Geographic” e “Time”.

Parke è stato ampiamente riconosciuto per il suo lavoro, ricevendo numerosi premi e riconoscimenti.

Nel 2003, ha vinto il premio “World Press Photo” per la categoria “Storia a lungo termine”, e nel 2012 è stato insignito del premio “Walther Prize” per la fotografia.

Inoltre, il suo lavoro è stato esposto in diverse gallerie e musei in tutto il mondo. Nonostante il successo, Parke resta un fotografo indipendente, concentrandosi sulla creazione di immagini profondamente personali e significative.

Continua a esplorare temi di solitudine e isolamento attraverso il suo lavoro, portando alla luce storie di individui spesso trascurati dalla società.

I suoi lavori sono stati esposti nelle principali collezioni istituzionali, tra cui la National Gallery of Australia, Museum of Contemporary Art, National Gallery of Victoria, Art Gallery of New South Wales, Art Gallery of South Australia, Artbank, Magnum London e Magnum Parigi.

L'articolo Trent Parke proviene da Giuseppe Bruno Fotografo.

conosciuto per il suo lavoro intenso e personale che esplora temi universali come la solitudine, la vulnerabilità e l’umana condizione.

Nato a Stoccolma, Svezia nel 1944, Petersen ha iniziato la sua carriera come fotografo nel 1967, quando ha cominciato a scattare foto di strada di notte nei quartieri malfamati di Stoccolma.

È stato questo lavoro che gli ha permesso di sviluppare il suo stile distintivo e di diventare uno dei più influenti fotografi di strada del XX secolo.

Una delle cose che rendono il lavoro di Petersen così unico è la sua approccio caldo e umano ai soggetti che fotografa.

Invece di giudicare o stigmatizzare i suoi soggetti, Petersen cerca di catturare la loro umanità e vulnerabilità, creando immagini potenti e commoventi.

Il suo lavoro più celebre è probabilmente la serie:

Café Lehmitz

scattata tra il 1968 e il 1970 in un bar malfamato di Amburgo, Germania. In questa serie, Petersen ha catturato la vita quotidiana dei clienti del bar, dove ha trascorso diversi anni fotografando i clienti e il personale, offrendo uno sguardo intimo e spesso commovente sulla loro vita e sulla loro solitudine.

Le immagini scattate in questo luogo, raccolte nel famoso libro “Café Lehmitz“, sono diventate le sue opere più famose e hanno segnato una svolta nella sua carriera.

Il lavoro di Petersen è caratterizzato da uno stile personale e autentico, che gli ha permesso di catturare l’essenza delle persone e dei luoghi che ha fotografato.

Oltre a “Café Lehmitz“, Petersen ha anche realizzato altre importanti serie fotografiche, tra cui “Zoo” (1972-1973), in cui ha fotografato i visitatori del zoo di Stoccolma, e “City Diary” (1976-1978), in cui ha documentato la vita quotidiana nella sua città natale.

Ha sempre avuto un occhio attento per i dettagli e un approccio umanistico alla fotografia, che gli ha permesso di creare immagini potenti e coinvolgenti.

Oggi, il lavoro di Petersen è ampiamente riconosciuto e apprezzato in tutto il mondo, e ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti per la sua fotografia.

È stato anche esposto in numerose mostre internazionali, e le sue opere fanno parte di importanti collezioni d’arte in tutto il mondo.

Petersen è uno dei fotografi più influenti e rispettati del nostro tempo, il cui lavoro ha ispirato intere generazioni di fotografi. Se sei appassionato di fotografia, non puoi perderti l’opportunità di scoprire il suo straordinario lavoro e la sua visione unica del mondo.

Anders Petersen è un fotografo di straordinaria importanza, che ha saputo catturare l’umanità e la vulnerabilità dei suoi soggetti in modo potente e commovente.

Con il suo stile distintivo e il suo approccio caldo e umano, Petersen è uno dei più influenti fotografi di strada del XX secolo.

L'articolo Anders Petersen: Café Lehmitz proviene da Giuseppe Bruno Fotografo.

Fin da piccolo, è stato un assiduo frequentatore del MoMa, che fu praticamente una sua seconda casa. A 14 anni, 3 anni prima della norma, si iscrisse al City College di New York per studiare sociologia; a 18 si arruolò nell’esercito americano. Nel 1948 si iscrisse al Sorbona di Parigi dove studiò con Andrè Lothe e Fernand Leger.

Quest’ultimo, incoraggiava i propri studenti a rifiutare e sovvertire il conformismo ed i valori borghesi che, dominavano il mondo dell’arte. In quegli anni si sposa con Jeanne Florin e decide di stabilirsi a Parigi, dove ancora risiede.

Nel ‘52 è a Milano dove dirige due spettacoli teatrali al “Piccolo”, e contemporaneamente collabora con l’architetto Angelo Mangiarotti. Nello stesso anno inizia a scrivere per la rivista di architettura “Domus”.
In questi anni, che precedono il suo ritorno a New York, inizia a sperimentare anche con la fotografia, e si guadagna l’appellativo di “anti-fotografo”.

«Con la fotografia potevo parlare della vita, cosa che non potevo fare con la pittura».

William Klein: la fotografia

Considerato una della figure più anticonformiste della fotografia americana del dopoguerra, si è sempre considerato un outsider. La sua idea di fotografia è sovvertirla dalle basi.
Nel periodo in cui lo sguardo “armonico” di Henry Cartier Bresson dettava legge, Klein si  dedica ad una sperimentazione formale e contenutistica che ribaltava ogni regola di composizione.

“Mi piacciono le foto di Cartier-Bresson, ma non mi piace il suo insieme di regole. Così le ho invertite. Penso che la sua visione della fotografia, che deve essere obiettiva, sia una sciocchezza”.

Klein scattò molte delle sue foto proprio con una macchina fotografica comprata da Cartier Bresson, mostrando quanto in fotografia autori differenti possano dare risultati completamente diversi utilizzando lo stesso mezzo.

Le sue immagine non sono quasi mai pulite ed ordinate, anzi, risutano spesso fuori fuoco, mal composte, tagliate…

Eppure dotate di una carica e di una vitalità che sconvolse un’intera generazione di fotografi. Qualsiasi cosa fosse considerata “errore” dal mainstream fotografico del tempo, lui riuscì a trasformarlo in nuovo metodo espressivo.

“Per me, fare una fotografia era fare un anti-fotografia.”

Considerava inutile, o almeno esagerata, l’ossessione per la tecnica che caratterizza ancora oggi tanti fotografi.

La bellezza di una foto per Klein non dipende dal filtro o dalla lente giusta:

“Il filtro giusto, la pellicola giusta, la giusta esposizione, non erano argomenti che mi interessavano molto. Ho avuto una sola fotocamera per iniziare. Di seconda mano con due lenti e senza nessun filtro. Quello che mi interessava era immortalare qualcosa sulla pellicola per poi passarla sotto il mio ingranditore, magari per ottenere un altro quadro.”

Oltre alla street photography, fu anche fotografo di moda. Non essendo molto interessato dalla moda, sfruttò quest’opportunità per sperimentare nuove tecniche fotografiche, e introdusse in questo campo l’uso del grandangolo, l’esposizione multipla, e l’uso congiunto di lunghe esposizioni e flash, trasformando la fashion photography in un’area ad alto livello di sperimentazione. Ma la sua vena anticonformista si espresse soprattutto nei reportage di street photography.

Il libro che lo portò alla ribalta come fautore di un nuovo linguaggio fotografico fu  “ Life is Good and Good for You in New York”. Questo libro viene considerato da molti come la madre della street photography, e fu  e premiato con il Premio Nadar nel 1957.

E’ un libro che, di nuovo, rifiuta i compromessi finora accettati dalla fotografia: rappresenta le persone più umili nella loro vita quotidiana, le foto sono crude , spesso fuori fuoco, volgari  ma piene di vita. New York, con i suoi scatti, risulta una città sporca e trascurata, lontana anni luce dalla New York scintillante di Manhattan. Ovviamente il pubblico e la critica inizialmente accolsero  il lavoro di William Klein con sentimenti contrastanti.
Klein racconta cosi’ i suoi primi passi nel mondo della fotografia:

“All’inizio degli anni ‘50 non riuscivo a trovare un editore americano per le mie immagini di New York. Tutti quelli a cui mostravo le mie fotografie commentavano: Questa non è New York, troppo brutta, troppo squallida e troppo unilaterale! Questa non e’ fotografia! Questa è merda!”

Ispirandosi a Moholy-Nagy e Kepes, inizia a mescolare pittura astratta e fotografia.
E’ proprio in questo periodo che Alex Liberman, pittore ed editore di Vogue America, lo nota.

Liberman gli chiede cosa voglia davvero fare. Klein risponde che quello che gli piacerebbe davvero fare e’ fotografare New York in una maniera nuova, realizzando una sorta di diario fotografico. Liberman decide di finanziarlo, ed anche se non se ne era occupato prima, gli offre un contratto come fotografo di moda per Vogue. Klein era nato a New York, ma dopo sei anni in Europa il suo punto di vista sulla città si era trasformato in qualcosa di ibrido fra lo sguardo di uno straniero e quello di un autoctono. “Mi comportavo come un etnologo immaginario”, racconta Klein.

“Trattavo i newyorchesy come un esploratore  tratterebbe una tribù Zulu. Cercavo scatti che fossero grezzi, il  “grado zero” della fotografia”.

La sua New York è viva, frenetica, e William vuole ritrarla così com’è, senza abbellimenti, pregiudizi o preconcetti.
La fotografia di strada dell’autore è totalmente libera da vincoli tecnici o da regole e mette lo strumento al totale servizio della pulsante umanità cittadina. Poco importa se per raggiungere il risultato voluto occorre sfocare un pò o usare il grandangolo in modo “inappropriato”.
Egli fa un uso creativo di grandangolo e teleobiettivo, infischiandosene delle regole.
La luce è quasi sempre naturale, l’utilizzo della tecnica del mosso abbonda come non mai.

L’opera di William Klein piega il tempo e lo spazio in un solo fotogramma: con l’obiettivo riesce a cogliere l’essenza del suo mondo. Il suo album fotografico sulla Grande Mela esce negli anni di On the Road di Kerouac, nel bel mezzo di una rivoluzione culturale, che egli cavalca appieno.

William Klein: Il cinema

Alla fine degli anni ’50 diventa assistente di Federico Fellini, che lo nota proprio grazie ai suoi reportage fotografici.
William Klein in questo periodo, si dedicherà esclusivamente alla settima arte.
Nel 1958 gira Broadway by light, che ottiene una menzione d’onore da Orson Welles.
Tra gli altri suoi lavori, un documentario su Cassius Clay, Muhammad Ali, the Greatest, un film di finzione sul mondo della moda, Qui êtes-vous, Polly Maggoo, e numerosi spot pubblicitari.

Klein a Roma:

Parliamo della Roma meta’ anni ‘50, la Roma del grande cinema e del boom economico. Klein ha la possibilità di viverla al meglio, introdotto alla città dall’èlite culturale del momento. Arriva in città invitato da Federico Fellini per fare da aiuto regista ne “Le notti di Cabiria”.

L’inizio delle riprese però viene posticipato, e Klein si ritrova a girare per le strade di Roma accompagnato da guide d’eccezione come Pasolini, Moravia e lo stesso Fellini, realizzando un magnifico affresco della città e della sua gente che raccoglierà nel libro “Roma+Klein”, pubblicato da Feltrinelli nel 1959 e recentemente ripubblicato da Contrasto. In questo periodo ebbe modo di conoscere anche  Sophia Loren, che dirà di lui : “Klein ha occhi come coltelli. E’ spietato e scandaloso ma non è mai cattivo. E’ tenero, buffo e violento e sono sicura, profondamente innamorato di questa nostra pazza Roma”.
Come regista realizzo’ oltre 20 film, fra cui il primo documentario in assoluto su Muhammad Alì.

75 + Fight Communism. New York, 1955
Pattern simile per Gun 1, dove però regna l’elemento umano: il simbolo anarchico racconta una storia che ci dice tutto quello che dobbiamo sapere su New York: cinema, pistole e disprezzo per le regole. Praticamente un film neorealista in un solo fotogramma.
Proprio come i suoi soggetti, la fotografia di William Klein è incontenibile, esce fuori dai bordi e travalica i confini del supporto.

Gun 1, 1955
New York non è mai stata così brutta. La fotografia di strada non è mai stata così bella. L’opera di Klein scatena le reazioni più disparate, spesso accusata di rovinare una città bellissima, di dare spazio solo al brutto, allo squallido e all’osceno, guastandone l’immagine di Città per eccellenza.
La “contemporaneità sincronica” del fotografo crea storie nel quale ogni soggetto nel piano visivo ha la sua ragion d’essere.
Come se la storia non meritasse gerarchie di senso: tutti sullo stesso piano, sia nello storytelling che visivamente.
Vedendo Benedizione Papale in Piazza San Pietro, è subito chiaro perché William Klein sia stato chiamato da Fellini.

La sua rappresentazione di Roma non è meno grottesca e vivida dei ritratti di New York. La sensazione qui non è di vedere una foto, ma il fotogramma di un film neorealista, del quale possiamo quasi immaginare la trama.
Si fa fatica a pensare che esistesse una Roma così: le foto di William Klein sono lì per ricordarci una Città Eterna che è rimasta tale solo nelle immagini di repertorio, trasudante un’umanità sudicia, appiccicosa e immortale.
Anche a Parigi, riesce a cogliere il lato più grottesco in Club Allegro Fortissimo, 1990.

«Per me, fare una fotografia era fare un anti-fotografia»
“Se si guarda attentamente la vita, si vede sfocato. Agita la mano. La sfocatura è una parte della vita“.

Le sue fotografie sono spesso fuori fuoco, ma pochi come lui sanno mettere a fuoco le regole per una grande fotografia.
La parola “regole” non si addice esattamente a William Klein.

“Se le tue fotografie non sono abbastanza belle, non sei abbastanza vicino”.

Questo lo diceva Robert Capa, ma anche per William Klein questa frase è più che valida.
Grazie a un utilizzo “estremo” del grandangolo, William scattava vicinissimo ai suoi soggetti, senza tralasciare dettagli importanti dell’immagine.
La vicinanza ai soggetti, permette al fotografo anche di interagire meglio con loro, creando un contatto più umano e abbattendo le distanze.

Se le foto sono sfocate, mosse, con grana e patina, tanto meglio. Più la foto è libera, anche dalla tecnica e dalle regole, più sa trasmettere libertà, vivacità e autenticità.

Si fotografa la vita, non la finzione, e la vita è imperfetta, non c’è niente di più imperfetto.

La fotografia non esiste come istante perfetto fine a se’ stesso, ma è parte di un flusso incessante e inarrestabile.
Il fotografo non può essere tanto arrogante da pensare di cristallizzare un’umanità complessa in un solo attimo.
Egli deve mettere i piedi nel fango, sporcarsi le mani e seguire il moto perpetuo dell’umanità.

«Anything goes, nessuna regola, nessuna proibizione, nessun limite».

Queste sono le parole di William Klein che, meglio di ogni altro titolo, ne riassumono la filosofia.

L'articolo William Klein proviene da Giuseppe Bruno Fotografo.

Alex Webb è un fotografo americano, considerato uno dei più importanti esponenti della street photography. Noto per le sue fotografie a colori. Nasce a San Francisco in California, nel 1952. Ha studiato Storia e Letteratura a Harvard e fotografia al Carpenter Center for the Visual Arts. E’ entrato a far parte dell’agenzia Magnum in qualità di membro associato nel 1976, diventando un membro a pieno titolo nel 1979. Molti suoi colleghi dell’agenzia Magnum, costruiscono la propria carriera inseguendo i grandi eventi drammatici, il fotografo statunitense percorre le trincee della strada. Alcuni fotografi hanno la necessità di fotografare i posti in cui vivono, altri di uscire e lasciare i luoghi da dove vengono per esplorare. Alex Webb è un esploratore. Webb ha creato opere che vanno oltre la documentazione visiva degli eventi e dei luoghi che fotografa. Ama definirsi uno street photographer, ma appare chiaro nel suo lavoro un’impostazione molto artistica.

Alex Webb arriva dai canoni della fotografia in bianco e nero, forte delle lezioni di Henry Cartier-Bresson e di Robert Frank, ma ispirato anche dalla letteratura e dalla filosofia. La fotografia di Webb si evolve e passa alla pellicola a colori: Il suo stile, caratterizzato da luci intense, ci regala immagini che sollevano più domande che risposte. una decisa saturazione cromatica e una profondità dei neri funzionali allo stile del fotografo. Foto che non raccontano solo storie, ma che suggeriscono scenari, colgono attimi e risvegliano emozioni. Ogni immagine viene racchiusa in composizioni armoniche, con colori accesi, ma naturali, fatte di ombre e geometrie nette, dove i soggetti, per lo più inconsapevoli, diventano protagonisti di un teatro quotidiano che rivela la poetica della tragedia. Fotografie che creano un immediato senso di profondità, giocando con la composizione degli elementi nei vari piani dell’immagine.

Durante la sua lunga ed affermata carriera ha pubblicato svariati libri di fotografia, tra i quali:

• Hot Light/Half-Made Worlds
• Under a Grudging Sun
• Da The Sunshine State
• Amazon
• Istanbul
• La sofferenza della luce
• La Calle
• Violet Isle
• Memory City
• Slant Rhyme
• Brooklyn: The City Within
• Dislocations
• Massachusttes
• Traversate
• Street Photography e il Poetic Image

Tra i riconoscimenti ottenuti per il suo lavoro, troviamo:

• Overseas Press Club Award (1980)
• Leopold Godowsky, Jr. Color Photography Award (1988)
• National Endowment for the Arts (1990)
• Leica Medal of Excellence (2000)
• David Octavius Hill Medaille (2002)

Le opere di Webb sono state esposte in tutto il mondo, tra cui il:

• Walker Art Center,
• The Museum of Photographic Arts a San Diego in California
• The Southland Collection a Dallas in Texas
• The International Center of Photography a New York
• Museum of Contemporary Art di San Diego e
• Whitney Museum of American Art
• Whitney Museum of Art
• Metropolitan Museum di New York e
• High Museum of Art di Atlanta

Le fotografie di Alex Webb sono comparse in magazine come GEO, Time, Stern, Life, National Geographic e il New York Times Magazine. Vive e lavora a New York, con Rebecca Norris Webb, sua moglie e partner creativa.

“La fotografia non è un buon modo per dire le cose,  la cosa più vicina che risveglia l’immagine è poesia, le mie immagini non raccontano storie, sono poesie.”

“La fotografia è una magia che nasce dall’incontro della soggettività del fotografo con l’oggettività della realtà, da questo incontro nasce una terza dimensione che vive della tensione tra la verità e l’immaginazione.”

L'articolo Alex Webb proviene da Giuseppe Bruno Fotografo.

“Avevo un nome che non andava troppo bene. Non ero incosciente, soltanto un po’ più giovane. Non riuscivo ad ottenere un incarico. Avevo assolutamente bisogno di un nome nuovo… E così mi inventai che questo Bob Capa fosse un famoso fotografo americano giunto in Europa, uno che non voleva scomodare i redattori francesi che non pagavano abbastanza…”

A Parigi conobbe Gerda Taro, altra fotografa di guerra, una delle prime della storia. Endre e Gerda si fidanzano; Il loro sodalizio, sentimentale e fotografico, viene però interrotto brutalmente nel 1937 quando Gerda, intenta a fotografare la battaglia di Madrid, viene accidentalmente travolta da un carro armato. Dal 1936 al 1939 si trova in Spagna, dove documenta gli orrori della guerra civile. La carriera di Robert Capa ha una svolta fondamentale il 23 settembre 1936;
Il giorno di pubblicazione della foto del miliziano colpito a morte.

In un’intervista radiofonica del 1947, spiegherà la genesi di quello scatto.

“Ho scattato la foto in Andalusia mentre ero in trincea con 20 soldati repubblicani, avevano in mano dei vecchi fucili e morivano ogni minuto. Ho messo la macchina fotografica sopra la mia testa e, senza guardare, ho fotografato un soldato mentre si spostava sopra la trincea. Questo è tutto. Non ho sviluppato subito le foto, le ho spedite assieme a tante altre. Sono stato in Spagna per tre mesi e al mio ritorno ero un fotografo famoso, perché la macchina fotografica che avevo sopra la mia testa aveva catturato un uomo nel momento in cui gli sparavano. Si diceva che fosse la miglior foto che avessi mai scattato, ed io non l’avevo nemmeno inquadrata nel mirino perché avevo la macchina fotografica sopra la testa”.

Capa si trasferisce negli Stati Uniti e nel 1947, insieme a Henri Cartier-Bresson, David Seymoure George Rodger, fonda l’agenzia fotografica Magnum, la prima agenzia fotografica della storia.

Il fotografo, era famoso anche per la sua temerarietà, che lo aveva portato ad andare all’attacco con la prima ondata nello Sbarco in Normandia e a paracadutarsi da un aereo assieme ai militari per ritrarre da vicino l’attraversamento del Reno. La sua passione e la sua vita, l’amore per la fotografia, lo porta a morire nel 1954 durante la Prima Guerra d’Indocina. Sulla via del ritorno scattò le ultime immagini prima dell’incidente che gli costò la vita; salì su un terrapieno sulla destra per fotografare una colonna in avanzamento nella radura e qui posò il piede sulla mina che lo uccise. In quel preciso istante tutto il mondo della fotografia perde un maestro e un’istituzione. L’anno dopo, nel 1955, viene istituito in suo onore il Premio Robert Capa per “il miglior reportage fotografico dall’estero, per realizzare il quale siano stati necessari eccezionali doti di coraggio e intraprendenza”.

Tra gli anni Quaranta e Sessanta il reportage, diventa una vera e propria scuola, che ha sempre rivendicato un forte impegno etico, inteso soprattutto come dovere alla testimonianza e alla denuncia delle ingiustizie. In tutto questo, l’importanza della sua funzione sociale e il suo conseguente successo popolare hanno spesso portato a pensare al  reportage come alla fotografia per antonomasia. Robert Capa è stato senza dubbio un interprete unico e straordinario di questo mondo.

• • «Capa ha dimostrato oltre ogni dubbio che la macchina fotografica non è un freddo oggetto meccanico. Come una penna, è potente come la persona che la usa. Può essere l’estensione della mente e del cuore» 
  • «La sua macchina fotografica coglieva l’emozione e la tratteneva. L’opera di Capa è in se stessa la fotografia di un grande cuore e di un’empatia irresistibile. (…) Provava piacere a mostrarsi disinvolto, quasi distaccato dal suo lavoro, ma non lo era affatto. Le sue foto non sono incidenti. L’emozione che contengono non arriva per caso. Capa era in grado di fotografare il movimento, l’allegria e lo sconforto. Era in grado di fotografare il pensiero. Le sue foto catturano un intero mondo, e quel mondo è di Capa». John Steinbeck

Frasi celebri

• “Se le tue foto non sono buone, vuol dire che non eri abbastanza vicino”. Probabilmente la frase più famosa di Robert Capa e uno degli aforismi sulla fotografia più conosciuti in assoluto.
• “Come fotografo di guerra spero di rimanere disoccupato per il resto della mia vita”.
• “Il corrispondente di guerra beve di più, ha più ragazze, è meglio pagato, ed ha una maggiore libertà rispetto al soldato, ma in questa fase del gioco, avere la libertà di scegliere il suo posto e di poter essere un codardo senza essere giustiziato, è la sua tortura”.
• “In una guerra si deve odiare qualcuno oppure amare qualcuno; è necessario avere una posizione oppure non si può capire ciò che succede”.
• “Non è sempre facile stare in disparte e non essere in grado di fare nulla, se non registrare le sofferenze che stanno intorno”.
• “Questa guerra è come un’attrice che sta invecchiando. E’ sempre meno fotogenica e sempre più pericolosa”.
• “Per scattare foto in Spagna non servono trucchi, non occorre mettere in posa. Le immagini sono lì, basta scattarle. La miglior foto, la miglior propaganda, è la verità”.
• “Il corrispondente di guerra ha il suo gioco – la sua vita – nelle sue mani, e lui può metterla su questo o quel cavallo, oppure può metterla in tasca all’ultimo minuto”.
• “Guardati dalle etichette. Rassicurano certo, ma prima o poi qualcuno te ne affibbia una di cui non riesci più a liberarti. Se deve proprio esserci un’etichetta, assumi quella di fotoreporter e conserva per te stesso tutto il resto, in fondo al cuore”. Foto perfette ma senza anima
• “… la macchina fotografica che avevo sopra la mia testa aveva catturato un uomo nel momento in cui gli sparavano. Si diceva che fosse la miglior foto che avessi mai scattato, ed io non l’avevo nemmeno inquadrata nel mirino perché avevo la macchina fotografica sopra la testa”. Dal libro “Leggermente fuori fuoco”
• “…aveva allestito una camera oscura in una piccola tenda. Sotto i teli neri il calore era soffocante. Per impedire allo sviluppo di bollire, Chris aveva fatto requisire due enormi blocchi di ghiaccio alla mensa dei sottoufficiali che protestarono subito perché quel ghiaccio doveva servire l’indomani per fare il gelato. Ci spogliammo e andammo a lavorare. Il sudore colava addirittura nell’acido di sviluppo. Le nostre prima copie, ancora bagnate, furono stampate appena in tempo prima che il ghiaccio si sciogliesse. Strappammo un lembo della tenda e respirammo la brezza del deserto, cosi fresca all’aurora. Mentre Chris si concentrava sulla strada dissestata dalle buche delle bombe, scrutando nella semi-oscurità, diedi un occhiata alle mie foto. Erano Leggermente fuori fuoco, un po’ sottoesposte e la composizione della foto non era certamente un opera d’arte. Ma erano le uniche fino quel momento disponibili dell’invasione della Sicilia….”
• Tanti colleghi fotografi realizzano foto tecnicamente perfette, ma fondamentalmente inutili. Quindi tieni sempre in mente questo aspetto. La forma è importante ma è essenziale che non compromettano la riuscita della storia che stai raccontando.

L'articolo Robert Capa proviene da Giuseppe Bruno Fotografo.

Depardon appartiene a una scuola fotografica documentaria più vicina alla corrente americana (Walker Evans e Robert Frank) che a quella del maestro della fotografia francese Henri Cartier-Bresson. Ha pubblicato numerosi libri fotografici ed allestito altrettante mostre delle sue opere.

GLASGOW

Nel 1980 il Sunday Times Magazine chiese a Raymond Depardon di andare a Glasgow. Considerata, a quei tempi, una meta turistica europea trascurata e da rivalutare. Per un fotografo del sud e del deserto, Glasgow sembrava essere agli antipodi della sua fotografia. Eppure scoprì la luce del nord e ne fece il suo punto di forza. Nelle grandi città, Raymond Depardon si sente come un esule interiore, da giovane aveva avuto grosse difficoltà a trovare il suo punto d’appoggio a Parigi. Lo scrittore britannico William Boyd, (autore della prefazione del libro), fu colpito dalla potenza delle fotografie, che mostravano “la privazione e la disperazione incise nei volti dei giovani e dei vecchi“. Depardon, trovò che Glasgow, la città più grande della Scozia, fosse molto simile a Beirut.

“Ho lavorato a Glasgow come ho fatto per le strade di Beirut, senza pregiudizio e nonostante fossi sconvolto dalla povertà, amavo ogni minuto. Non importa dove io sia andato, la gente era accogliente e non sembrava mai triste per il proprio destino”.

L'articolo Raymond Depardon proviene da Giuseppe Bruno Fotografo.

È arrivato negli Stati Uniti dalla Svizzera a 22 anni, durante la persecuzione ebraica degli anni ’40. Nel 1946 si autofinanzia la prima pubblicazione, dal titolo 40 Fotos. Ottenne un discreto successo che gli servirà per ottenere un posto nelle redazioni dei giornali di moda. Nel 1947 a New York, Alexey Brodovitch lo ingaggiò come fotografo di moda per Harper’s Bazaar. Nel 1950 alcuni suoi scatti, faranno parte della mostra, 51 American Photographers allestita al Museum of Modern Art di New York e poi nella celebre The Family of Man. Tra il 1952 e il 1953 abbandona definitivamente la fotografia di moda e comincia a lavorare principalmente come reporter freelance.

“THE AMERICANS”

Nel 1955 Robert Frank fu il primo fotografo europeo a ricevere la borsa di studio dalla Fondazione Guggenheim di New York.
Con i soldi ricevuti viaggiò per gli Stati Uniti dal 1955 al 1956.

Raccontò l’America nel modo più neutrale possibile:
La sua fotografia, si pone delle distanze, cercò di essere schivo, di passare inosservato, di vedere senza essere visto. Molte immagini del progetto The Americans appaiono sfocate o inquadrate “male” come se fossero state rubate inconsapevolmente e frettolosamente. In questi momenti di spontaneità emerge, la banalità stessa, del sogno americano i cui personaggi, sono tagliati fuori dalla sua ambiziosa visione. Bandiere e parate sono elementi di punta del culto popolare americano; ma la loro grandiosità è tanto effimera quanto il contesto in cui vengono inseriti. Basta un semplice cambio di prospettiva, l’accostamento giusto di elementi e l’illusione crolla. Frank dipinse gli americani come nessun altro prima.

Un’interpretazione spoglia da ogni retorica che proprio in virtù della sua sincerità non poteva che ferire profondamente l’orgoglio di questo popolo.

Una visione amara, come la delusione che provò lui stesso, quando realizzò quanto gli ideali democratici del Nuovo Continente fossero fragili se paragonati all’indole consumistica degli uomini. Robert Frank nella sua fotografia utilizza ombre molto intense ed anche le tonalità dei grigi sono adoperate con grande enfasi mentre i bianchi sono “sporchi”. Nel 1958 l’editore francese, Delpire pubblica il libro Les Américains, oggi un cult per i collezionisti. “The Americans” uscì l’anno dopo in America, ma venne duramente massacrato dalla critica. L’insuccesso iniziale lo portò alla decisione di abbandonare la fotografia. E così, si dedicò al cinema, altra sua grande passione. Contemporaneamente “The Americans” iniziò a ottenere il meritato riconoscimento anche grazie ai movimenti di rivendicazione sociale che scossero gli anni ’60. Nel 1959 dirige il suo primo film, Pull My Daisy. Il film è stato considerato il padre del New American Cinema. Il suo cinema, è carico di tensioni e tematiche introspettive, come Conversations in Vermont o About Me: A Musical. Tra le pellicole inoltre, c’è anche “Cocksucker Blues”:
un documentario sulla vita dei Rolling Stones tra tournée, orge, droga e il deprimente volto della fama. Il film fu censurato dallo stesso gruppo che temeva le ripercussioni della sua divulgazione. Robert Frank fu anche rifiutato dall’Agenzia Magnum, a causa delle sue divergenze stilistiche. Dopo la tragica perdita della figlia, Frank ricomincia a riutilizzare la macchina fotografica. Ma la sua fotografia, è lontana dai suoi lavori precedenti:
in “The Lines of my Hand”, utilizza collage, vecchie fotografie, fotogrammi, polaroid; scrive, graffia e incide direttamente sul lato sensibile della pellicola. Un’opera che riflette i sentimenti e le esperienze del fotografo. Nel 1994 dona gran parte del suo materiale artistico alla National Gallery of Art di Washington creando così, la Robert Frank Collection; Nel 1996 ottiene l’Hasselblad Award e nel 2000 il Cornell Capa Award.

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William Eugene Smith è un fotografo documentarista, nato nel 1918. Smith iniziò a fotografare da giovanissimo. Dei primi scatti aihmè non rimase traccia, fu lui stesso a distruggerli giudicandoli “troppo scarsi”. Nel 1936, fu ammesso alla Notre Dame University dove un corso di fotografia fu istituito appositamente per lui. Abbandonata l’università, iniziò a collaborare con il settimanale Newsweek, da cui fu allontanato per aver rifiutato di lavorare con le macchine Graphic 4×5. Il fotografo, nel 1939 viene contattato dalla rivista Life, con cui inizia una collaborazione che lo porterà, nel corso degli anni, a coprire come fotografo di guerra il Teatro Bellico del Pacifico.

Le immagini scattate sono vere e proprie icone della Seconda Guerra Mondiale.

Il 23 maggio 1945 viene ferito al volto da una granata. Nei due anni successivi fu costretto a dolorosi interventi e a una lunga riabilitazione. La foto “A walk to Paradise Garden” fu il primo scatto realizzata dopo la malattia. L’immagine in questione è un simbolo di rinascita e speranza. Nel 1955 abbandona Life per entare nell’Agenzia Magnum Photos, per la quale realizza un reportage su Pittsburgh che gli varrà il primo dei suoi tre premi Guggenheim. Negli anni successivi Smith torna a collaborare con Life e realizza alcuni dei reportage più celebri pubblicati dalla rivista statunitense su tutti:

• “Spanish Village“, in cui è raccontata una cittadina spagnola in pieno franchismo,
• “Country Doctor“, narrazione fotografica dell’attività di un medico generico nella campagna americana.

Il rapporto con Life finì per deteriorarsi, e con esso, crollò la fiducia di Smith verso il sistema dell’informazione americano. Nonostante questo, nel 1971 realizzò uno dei suoi reportage più riusciti, “Minamata“. In cui fotografò i tragici effetti dell’inquinamento da mercurio in Giappone. Grazie all’interessamento di Ansel Adams, ottenne nel 1976 una cattedra all’Università dell’Arizona. Nel 1978 una grave forma di diabete lo portò alla morte.

“Non ho mai scattato una foto, buona o cattiva, senza che mi provocasse un turbamento emotivo.”
“A cosa serve una grande profondità di campo se non c’è un’adeguata profondità di sentimento?”

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Dopo gli studi giovanili, Henri fu attratto dalla pittura, e comincerà i suoi studi con Jaques-Emile Blanche e André Lhote, che lo inizieranno all’ambiente dei surrealisti francesi. Nel 1931, al ritorno dalla Costa D’Avorio, scatta in lui l’interesse alla continua ricerca di immortalare la realtà. È lo stesso Bresson che ci racconta come fu una fotografia di Martin Munkacsi a convincerlo che «è stata quella foto a dar fuoco alle polveri, a farmi venir voglia di guardarela realtà attraverso l’obiettivo». Fu così che nel 1932 comprò la sua prima macchina fotografica, una Leica 35 mm con lente 50 mm che l’accompagnerà per molti anni.

Nel 1931 lavora nel cinema come assistente del regista francese Jean Renoir e, nel 1937, firma personalmente il film Return to life. Durante la Seconda guerra mondiale, Cartier-Bresson entra nella resistenza francese, continuando a svolgere costantemente la sua attività fotografica. Catturato dalle truppe naziste nel 1940, riesce a fuggire dal carcere al terzo tentativo. Al suo rientro si unirà a un’organizzazione di assistenza ai prigionieri evasi.

Nel 1944 fotograferà la liberazione di Parigi. Finita la guerra, ritorna al cinema e dirige il film Le Retour, documentario sul ritorno in patria dei prigionieri di guerra e dei deportati. Nel 1946 viene a sapere che il MOMA di New York intende dedicargli una mostra “postuma“, credendolo morto in guerra. Riesce a mettersi in contatto con il museo e dedica oltre un anno alla preparazione dell’esposizione, inaugurata il 1947. Negli anni successivi è negli Stati Uniti, dove fotografa per Harper’s Bazaar.

Nel 1947 fonda, insieme a Robert Capa, George Rodger, David Seymour, e William Vandivert la famosa Agenzia Magnum. La fotografia porta Henri in molti angoli del pianeta, divenne il primo fotografo occidentale che fotografava liberamente nell’Unione Sovietica del dopo-guerra. Nel 1968, Henri Cartier-Bresson inizia gradualmente a ridurre la sua attività fotograficaper dedicarsi al suo primo amore: la pittura, dichiarando:

«In realtà la fotografia di per sé non mi interessa proprio; l’unica cosa che voglio è fissare una frazione di secondo di realtà».

Nel 2000, assieme alla moglie Martine Franck ed alla figlia Mélanie crea la Fondazione Henri Cartier-Bresson, che ha come scopo principale la raccolta delle sue opere e la creazione di uno spazio espositivo aperto ad altri artisti. Muore in Francia il 3 agosto 2004, all’età di 95 anni.
Il libro più famoso di Cartier-Bresson è The Decisive Moment (Il momento decisivo), il titolo nella versione francese è Images à la sauvette. Scritto nel 1952, oltre a contenere una raccolta di talune delle foto più note del fotografo, descrive il modo stesso di fare fotografia di Cartier-Bresson. L’autore si occupa del reportage fotografico, del soggetto, della composizione, del colore, della tecnica, dei clienti.

Lo Scrap Book

Lo Scrap Book è l’album che Cartier-Bresson preparò per la mostra al MOMA nel 1946. Partito per gli USA con circa 346 foto nella valigia, all’arrivo acquistò un album e vi collocò le immagini per mostrarle ai curatori. Dopo la mostra, finì sepolto in una valigia e poi nella biblioteca di casa, dove passò inosservato alla stessa moglie dell’artista fino al 1992. Nel 2007 la fondazione dedicata a Cartier-Bresson decise di editarlo in un’edizione restaurata ma il più possibile fedele all’album originale. Pubblicata in Italia da Contrasto, rappresenta una testimonianza eccezionale sulle scelte operate dal maestro, per la mostra che l’avrebbe in un certo senso, consacrato tra i maggiori fotografi del mondo.

Reportage

• Da una Cina all’altra (1952)
• Danza a Bali (1954)
• Mosca (1954)
• Delitti flagranti (1969)
• Viva la Francia (1970) – Premio Nadar
• L’uomo e la macchina e il volto dell’Asia (1972)
• Ethan is ded

Riconoscimenti

• Hasselblad Award (1982)

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